En mayo, el ballet Caravaggio, del coreógrafo Mauro Bigonzetti, se presentó por primera vez en Italia, diecisiete años después de su estreno en 2008 en Berlín. El intérprete de Caravaggio fue el etoile Roberto Bolle, que llevó el espectáculo al escenario del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino (del 9 al 11 de mayo), y al TAM Teatro Arcimboldi de Milán (del 15 al 21 de mayo). Hemos planteado algunas preguntas tanto a Roberto Bolle como a Mauro Bigonzetti para que nos hablen de las emociones e inspiraciones que hay detrás de este proyecto y de cómo ambos han conseguido trasladar a la danza la compleja figura de Caravaggio y su pintura. La entrevista es obra de Ilaria Baratta.
IB. Usted tiene la tarea de interpretar, como el gran étoile que es, probablemente a uno de los pintores más queridos y revolucionarios de todos los tiempos: Caravaggio. ¿Qué ha intentado para transformar magistralmente en danza la fuerza de las obras de Merisi? Tormento y genio son los dos aspectos que más caracterizan a este artista: ¿cuánto hay de Caravaggio en Roberto Bolle?
Roberto Bolle. Interpretar a Caravaggio ha sido una experiencia maravillosa. Es un artista genial, icónico, que cambió la historia del arte italiano y no sólo, porque cambió la historia del arte internacional. Marcó profundamente la propia cultura y visión del artista, incluida la forma de representar las figuras. Hubo una gran ruptura entre el antes de Caravaggio y el después de Caravaggio. Es un artista que ha influido en el arte durante siglos y sigue siendo uno de los más queridos, uno de los más admirados, así que fue un gran privilegio para mí poder interpretar a este personaje, darle forma, darle vida y, desde luego, llevar su genio y su tormento al escenario. Es un artista muy distante de mí en cuanto a las partes dramáticas, atormentadas, el asesinato, la sangre que se repite en su vida, un elemento que se encuentra en el ballet, con el paño rojo que sale al final del primer acto y luego la sangre con la que se mancha las manos cuando mata a otros personajes de este ballet, que son luego la belleza, la sombra, la luz. Todos estos son elementos que se repiten en su pintura. Es un artista muy diferente a mí, pero por eso era aún más interesante interpretarle; encontrar esas claves en mí que no forman parte natural de mi personalidad, pero que sin embargo son inherentes. Encontrar la verdad de las sensaciones, de los sentimientos alejados del propio ser. Y llevar esto al escenario en lugar de sentimientos y emociones completamente en sintonía con el propio ser es aún más estimulante para un artista.
¿Es usted asiduo a las exposiciones? ¿Cómo es su relación con el arte visual? La danza es una forma de arte extraordinaria y creo que tiene mucho en común con la pintura.
Me gusta mucho ir a ver exposiciones que también son muy diferentes de la pintura. Por ejemplo, de fotografía, hace poco vi en el Palazzo Reale la de George Hoyningen-Huene. También en el Palazzo Reale, me gustó mucho la exposición de Leonor Fini, que es una de las más bonitas que he visto últimamente. Aquí es muy importante. Creo que es muy bueno para mí absorber la visión de otros artistas, la forma en que se montan ciertas exposiciones, los colores, las luces, cómo se presentan. También la instalación de Nico Vascellari en el Palazzo Reale. Todas estas son sugerencias que necesitas, que quizás al principio ni siquiera te das cuenta de hasta qué punto pueden influir en tu gusto, en tu creatividad, pero luego todo vuelve. Volviendo a la pregunta sobre llevar a Caravaggio al escenario: es un artista muy teatral, por lo que se presta especialmente bien a ser llevado al escenario. Tenemos luces de corte y otras luces que pueden iluminar los cuerpos, darles forma. Tenemos algunos momentos con luces muy a lo Caravaggio. Es una muy buena combinación de ballet, danza, el cuerpo del bailarín y Caravaggio, sus pinturas, su luz.
¿Hasta qué punto cree que la danza es y puede ser revolucionaria?
La danza puede ser muy revolucionaria. Lo ha sido durante mucho tiempo, piense en Isadora Duncan al principio, o en Nižinsky, que rompió moldes. Duncan mostró el cuerpo femenino moviéndose bajo velos, fue un gran avance, una gran vanguardia. E incluso ahora, la danza sigue siendo revolucionaria con tantos coreógrafos contemporáneos que interpretan el presente, pero también el futuro, combinándolo con las nuevas tecnologías llevadas al escenario con efectos visuales, con juegos de luz innovadores.
Aquí, la danza es una expresión que viene del pasado, pero que siempre mira mucho hacia el futuro. Es una creación continua, con un lenguaje que nunca deja de renovarse. Y puede ser muy inspiradora y marcar el tiempo.
Durante años se ha ocupado personalmente de acercar la danza a todo el mundo, en televisión y con eventos de gran éxito. ¿El ballet Caravaggio también va en esta dirección?
El ballet Caravaggio también, por supuesto, para mí es una forma de difundir la danza, de continuar esta misión de divulgación, que ha continuado a lo largo de los años con los espectáculos Rai1, con OnDance, que volverá a Milán en septiembre. Ahora también con la Fundación [nota del editor: la Fundación Roberto Bolle, “que pretende apoyar la danza en Italia y en todo el mundo, con el objetivo de difundir los valores artísticos, culturales y humanos que la danza lleva dentro”], con la que continúo este camino. Pero también con el ballet Caravaggio llevado a los teatros y la combinación que conseguimos crear con motivo del programa Rai1 y la exposición del Palazzo Barberini. Todo sirve para que estos mensajes lleguen más fácilmente al público, para ampliar la audiencia, para que venga más gente a las exposiciones y al teatro, y esto es muy importante. Este viaje mío hacia la belleza que comenzó con Caravaggio continúa este verano en julio con tres maravillosas citas en lugares maravillosos como las Termas de Caracalla, el Teatro Griego de Taormina y la Arena de Verona. Dos espectáculos en Caracalla los días 15 y 16 de julio, en Taormina el 18 de julio y los días 22 y 23 de julio en la mágica Arena de Verona. Incluso bailar con toda esta historia, esta maravilla a nuestras espaldas es algo que tiene un gran impacto para acercar la danza a todo el mundo.
IB. Diecisiete años después de su estreno en Berlín, el ballet Caravaggio llegó por fin a Italia este año, en mayo. ¿Qué significa para usted haberlo traído por primera vez a nuestro país?
Mauro Bigonzetti. Estoy supercontento de haber traído este ballet a Italia después de diecisiete años, especialmente en el contexto en el que lo presentamos, y que es con Roberto Bolle, primero, y después con el Maggio Musicale Fiorentino y el Teatro Arcimboldi de Milán. Estoy encantado porque Roberto tiene a la vez la madurez, la sensibilidad y el físico para hacer un papel así. En mi opinión, es el momento perfecto para que Roberto interprete un papel así, y de hecho lo ha interpretado a la perfección. Estoy muy contento porque me enorgullece, me da mucha satisfacción; el 60-70% de mi trabajo se ha hecho en el extranjero, en Italia es casi desconocido. Así que traer este ballet a Italia después de tantos años ha sido para mí una enorme satisfacción, y repito, con Roberto Bolle aún más.
¿Por qué decidió dedicar un ballet a Caravaggio? ¿Siguió en su elección una pasión particular suya por Merisi, o también influyó el nombre altisonante que capta al público?
Esta obra me la encargó hace diecisiete años la Deutsche Oper de Berlín con el Berlin Staatsballett. Entonces me pidieron un tema que tuviera que ver con la cultura y el arte italianos y elegí a Caravaggio. ¿Por qué? Porque, de todos modos, estudié en el Instituto de Arte, así que viví mis años de juventud inmerso en las artes figurativas. Lógicamente, Caravaggio era uno de los muchos pintores que me gustaban, quizá el que más, así que digamos que lo llevé dentro y le di vueltas durante muchos años. Caravaggio es un personaje al que he querido mucho en el pasado y en el momento oportuno volvió a salir con esta petición del teatro de Berlín de hacer algo con una impronta fuertemente italiana.
¿Qué le fascina de este artista?
Todo me fascina de Caravaggio: su vida, su producción artística y, sobre todo, el misterio que rodea a este personaje. Siempre ha sido un mito para mí, tanto su producción como su vida, aunque es una vida, como decía, llena de misterios y llena de incógnitas, pero es precisamente ese misterio, esa magia que hay alrededor de este personaje lo que siempre me ha fascinado.
¿Cómo consiguió transformar el arte de Caravaggio en danza? ¿En qué elementos o aspectos se centró más?
No sé si conseguí transformar el arte de Caravaggio en danza, porque se trata de una operación, digamos, titánica. Pero desde luego los aspectos en los que trabajé fueron las vibraciones que desprenden los cuerpos de Caravaggio, las tensiones de los cuerpos, los músculos y la piel de los protagonistas de los cuadros de Caravaggio. Las tensiones de los cuerpos son lo que más me ha inspirado. Lógicamente, no hemos ido a reproducir los cuadros o las composiciones de Caravaggio de forma simbólica o figurativa, pero son precisamente estas tensiones de los cuerpos las que han impulsado mi creatividad para hacer un determinado tipo de trabajo. Esta tensión es la llama y también el eje principal de la obra.
¿Qué hay de la música, qué piezas se eligieron?
En cuanto a la música, con el maestro Bruno Moretti, desde el principio tuvimos la idea de hacer algo que tuviera que ver con el periodo histórico de Caravaggio, y fue precisamente en ese periodo, al mismo tiempo que nació Caravaggio, cuatro años antes, cuando nació también Claudio Monteverdi, así que vivieron en el mismo periodo histórico, por lo que nos pareció una buena idea hacer un paralelismo también con la música, entre la música y la pintura. El maestro Bruno Moretti tomó clones de las obras más famosas e importantes de Claudio Monteverdi, los convirtió en música sinfónica, música sinfónica para gran orquesta, lo cual, en definitiva, es bastante inusual, porque toda la música de ese periodo histórico estaba escrita para conjuntos muy pequeños; el concepto de sinfonismo aún no existía. Moretti hizo esta música sinfónica tomando algunos pequeños temas o pequeños clones y desarrollándolos de una forma más sinfónica, más del siglo XX.
Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
